Tipos de Baterias.

Existen 3 tipos de baterías que son:

1)  Batería acústica (tradicional):

Es la que solo está constituida por percusiones que se escuchan a viento sin ningún tipo de aparato o energía.

 2) Batería Electrónica:

Es la que está constituida por partes que necesitan energía eléctrica, un cerebro y programación para que los toms se escuchen

3) Batería Electroacústica:

Son las que tienen partes de ambos como de electrónicas como de Acústicas.

Como leer las partituras.

Una de las características que separan a un baterista de un baterista completo es la capacidad de leer música para su instrumento. No solamente, el baterista que es un buen lector, está mejor equipado para enfrentar el mundo profesional, sino que esto le abre un mar de posibilidades de aprendizaje no disponibles al que no puede leer la música ya que muchos de los textos de batería dan por sentado la capacidad de leer música del estudiante para enseñar sobre otras destrezas. Además, leer música ayuda en el proceso de organización mental de las ideas musicales. Aprender a leer música es un proceso similar al de aprender a hablar y leer un idioma. Los principios son sencillos pero para dominarlo se requiere mucha práctica y experiencia.

Lo primero que hay que aprender son las figuras rítmicas simples y sus valores:

 

 

 

Partiendo desde la nota principal (la redonda), se generan de manera binaria las subdivisiones naturales del tiempo, es decir, una nota puede ser sucesivamente dividida por dos duplicando su velocidad a la anterior. Pero también existen subdivisiones complejas, pero son más difíciles de explicar. La más importante que hay que aprender desde el principio es la simple. Una vez comprendido lo anterior, hay que tener en cuenta que cada tipo de nota tiene su correspondiente silencio de igual valor. Por ejemplo no es lo mismo un silencio de negra que uno de corchea, es obvio que tienen diferente valor, sin embargo el silencio de negra es equivalente a 2 de corchea.
 

 

El primer paso para leer una partitura es saber el significado que tiene cada nota según el lugar en el que se encuentra. Para esto, siempre se sigue un "estandar" en la mayoría de las partituras, mediante el cual se asigna un lugar en el pentagrama para cada pieza de la batería. Los lugares son:

 

 

Tambien, es importante conocer los elementos que componen el Pentagrama:

 

 

 

Definiciones:
 

-Pentagrama: Es un conjunto de cinco líneas que se utiliza para asignar el nombre de las notas, a las figuras musicales que se representan sobre ella.

-Clave de la batería: Al ver este signo, identificamos que lo que esta escrito sobre el pentagrama es un instrumento de percusión (en nuestro caso la bateria).

-Indicador del compás: Es una de las partes de mayor importancia en el pentagrama, indica el tiempo en que las notas serán tocadas. El numero superior indica el numero de golpes en un compás, mientras que el inferior te dice que nota es la que obtiene el valor dentro del compás.

-Tiempo cortado: Este símbolo indica que se debe de aumentar la velocidad de lo que se esta tocando.

-Barra de separación: Separa un compás de otro.

-Compás: Lo que se encuentra adentro (en medio) de dos barras de separación.

-Nota: Indica el valor de tiempo que se le asigna a cada parte de la batería.

-Repetición (%): Indica que el compás anterior debe de ser tocado un X número de veces (indicado por el número arriba del símbolo).

-Doble repetición (%%): Dos repeticiones de el compás anterior.

-Barras de repetición: Indican que la pieza debe de ser repetida desde el comienzo.

-Ligadura: Indica que dos notas están ligadas, es decir, que se tocan como una sola nota.

-Golpe fantasma: Indica que esa nota se debe de tocar suavemente, casi no se debe de escuchar.

-Acento: Indica la nota, sobre la cual está el acento.

-Dinámica: Indica el volumen de la pieza a ser tocada.

-Mano: Cuando se pone la letra D sobre una nota, se refiere a que debe de ser tocada con la mano derecha. En el caso de la letra I, debe de ser tocada con la izquierda.

-Final: Indica el fin del pentagrama.

Mis 5 Bateristas preferidos.

Aqui les presento, una lista de mis 5 bateristas preferidos de todos los tiempos:

1) John Bonham (Led Zeppelin)         

 

Hasta el día de hoy es considerado uno de los mejores bateristas de rock de toda la historia, ya que cambió el enfoque que se tenía del instrumento. Creó un estilo que consistía en una pegada más dura y con menos adornos, mucho más alejado del jazz y del blues (estilos predominantes en los bateristas de rock/pop de la época), influyendo poderosamente a todas las generaciones posteriores de baterías de rock, incluyendo al heavy metal.

2) Neil Peart (Rush)       

Neil Ellwood Peart es un músico canadiense, mejor conocido por ser el baterista y escritor en la también canadiense banda de rock progresivo Rush. Peart ha recibido infinidad de reconocimientos por la mayoría de las interpretaciones que ha grabado y es ampliamente respetado, es conocido por su estilo enérgico, dando golpes fuertes que combinan precisión, claridad y complejidad en el sonido. Otro sello distintivo de Peart es tocar con la baqueta al revés, para producir un mayor impacto y sonoridad en el

rimshot.  

3) Mike Portnoy (Dream Theather)

 

Michael "Mike" Portnoy (n. 20 de abril de 1967) es un baterista y compositor musical estadounidense, es principalmente conocido por su trabajo en la banda de metal progresivo Dream Theater trabajando como compositor, baterista y director de los DVD de Dream Theater. Famoso por su talento en la batería, Portnoy ha ganado 23 premios de la revista Modern Drummer Magazine.

 

 

4) Stewart Copeland (The Police)                 

Stewart Copeland es un músico y compositor estadounidense. Considerado como uno de los mejores y más influyentes bateristas de rock de todos los tiempos. En su particular estilo, Copeland combinaría inteligentemente la esencia de dos corrientes musicales: la belleza expresiva del rock sinfónico con la energía desenfrenada del Punk. Este cóctel explosivo partiría la cabeza a todo baterista de cualquier generación en el mundo entero.

 

 

 

 

5) Keith Moon (The Who) 

Keith John Moon (Londres, Inglaterra, 23 de agosto de 1946 — 7 de septiembre de 1978), fue un músico inglés, conocido por ser baterista de la banda británica de rock The Who. Se ganó el reconocimiento por su estilo exuberante e innovador en la batería, y su excéntrico comportamiento autodestructivo, lo que le valió el apodo de «Moon the Loon». Moon fue conocido por su dramática y emocionante forma de tocar la batería—evitando frecuentemente los ritmos básicos, enfocando su técnica en la rapidez, subrayando los redobles a través de los tambores, manejando ambidiestramente el doble bombo y golpeando salvajemente los platillos.

 



Partes de una Batería.

Piezas:

Cuando nos dicen que una batería tiene tantas piezas, se refieren al número de tambores, independientemente de cómo se distribuyan.

Los tambores pueden ser de mano o de pie; los primeros son los toms montados, los toms de piso, y el snare, mientras que el segundo es el bombo o bass drum..

Las baterías comerciales suelen contar con 5 piezas: un Snare, un bombo, y tres toms de mano (Ver imagen adjunta).

Tambores y Platillos de Ritmo:

En esta definición caen los dos tambores principales, el bombo y el snare, así como los dos platillos que dan cadencia a los versos y los coros, esto es, el hi-hat y el ride, respectivamente.

Estos cuatro elementos son los primeros en colocar convenientemente al darle disposición a nuestro set de batería, por tratarse siempre de los percutibles más recurridos.

Tipos de Set de Batería:

Hay configuraciones básicas más o menos estándar, que podemos resumir en tres variantes principales:

1. Tipo Power:

•    Snare 14″, Toms de 12″ y 13″, Floor Tom de  16″ y Bombo 22″.

2. Tipo Fusión:

•    Snare 14″, Toms de  10″ y 12″, Floor Tom de  14″ y Bombo 22″.

3. Tipo Jazz:

•    Snare 14″, Toms de  10″ y 12″, Floor Tom de  14″ y Bombo 20″.

Tipos de Platillos:

Los platillos pueden ser de dos tipos: fijos y volantes. Los fijos son los del hi-hat, tanto el superior (top hat), más liviano, como el inferior (bottom hat), más pesado, ambos de un mismo diámetro.

Los platillos volantes son todos los demás, especialmente el ride y el crash. También se consideran volantes a los splash y a los china voice.

También se los puede dividir en platillos de ritmo y de estallido. Los de ritmo son los del hi-hat y el ride, en tanto que los de estallido son el crash, los splash y los china voice.

Platillos de Estallido Convencionales: Los platillos de estallido convencionales son aquellos que tienen cúpula, cuerpo y borde, es decir, los crash y los splash.

Se les llama splash hasta las 12″ de diámetro, y crash a partir de 14″.

Set de Platillos:

Los tres tipos más comunes de sets de platillos, disponibles en diversas marcas, son los siguientes:

1. Set Mínimo:

•    2 Hi-Hat 14″ y 1 Crash-Ride 18″.

2. Set Básico:

•    2 Hi-Hat 14″, 1 Crash 16″ y 1 Ride 22″.

3. Set de Efectos:

•    1 Splash 10″ y 1 China Voice 18″.

Set de Pedales:

Los dos pedales básicos son los del bombo y el hi-hat. El pedal de bombo puede ser doble, esto es, capaz de accionar dos mazos, ya sea con ambos pies (el más común) o con sólo uno.

Set de Stands (Atriles):

Los atriles, son los que soportan los platillos volantes principales, son de dos tipos: rectos (tipo straight) y angulares (tipo boom). Aunque no es una regla, lo usual es que al ride lo sostenga un atril recto, y al crash lo soporte un parante angular.

Set de Percutores:

Los percutores más comunes son las baquetas (Bolillos, drum sticks), hechas de madera y con puntas del mismo material o de nylon.

En ocasiones puede convenirnos emplear escobillas (drumbrushes) o bazoras (tied sticks), para tocar con un matiz más suave, y hasta los mazos de timbal sinfónico (mallets), con los que se pueden generar sonidos continuos en los platillos.

Asiento:

El asiento puede ser un taburete o una silla de baterista.

 

 

 

Breve Historia de la Batería.

Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales junto a los de viento. El origen de la batería radica en la unión, en 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales, que surgen de África y China; los platillos, que derivan de Turquía y también de China; y el bombo, de Europa.

1900-1910:

En estados unidos durante estos años las orquestas tocaban con 3 o 4 percusionistas (uno para la caja, otro para el bombo y los demás para los diferentes elementos como platos, cajas chinas, etc.) o solamente dos si se tocaban fanfarrias. La invención del pie de caja y sobre todo del pie de bombo (comercializado en 1910 par Ludwig) permite ensamblar los diferentes elementos para que sean tocados por menos instrumentistas. 

La llegada del Ragtime y la necesidad de músicos para las salas de baile, termina de hacer necesario el ensamblaje de la batería, donde un solo instrumentista tocaba todos los elementos anteriormente mencionados.

La Batería en sus inicios no tiene el ensamblaje que conocemos hoy en día. Los parches son de piel de animal, El bombo es muy grande, con pequeños accesorios unidos a él (campanas, Wood-Blocks, pequeño plato suspendido,…), y tiene un solo tom-tom llamado tom-tom chino con dos parches montados directamente sobre el cuerpo de madera.

En esta época, el papel de la batería era el de seguir y mantener el ritmo de fanfarria, pero con un estilo musical muy similar al de las marchas militares, los baterías utilizaban los rudimentos del tambor clásico pero con un fraseo diferente, directamente inspirado en las orquestas de paradas (redobles menos rígidos, sincopas y acentuaciones solo en el primer tiempo).

Los años 20:

Durante este periodo de tiempo, los constructores de material se proponen aportar mejoras tecnológicas en todos los aspectos, pero sin duda alguna la gran superación fue en lo que respecta a los primeros tom-toms afinables, en aquel entonces, la música de Jazz se hacía para bailar. La batería tenía la sola misión de mantener el ritmo y marcar los tiempos fuertes en el bombo, que aún era grande y pesado

De los 30 a los 50:

Los años 30 ven resurgir una especial demanda de música para bailar. El pedal de charles, por ejemplo, que se convierte ya en totalmente operativo, es definitivamente quién cambia la sonoridad completa de este instrumento e incluso la manera de llevar el ritmo.

Los años 50 y 60:

La evolución más importante de este periodo es la aparición de las pieles sintéticas para las cajas, bombos y tom-toms (comercializadas por primera vez en 1957 por Remo). El fabricante Rogers propone en 1959 el primer sistema de sujeción de Toms verdaderamente articulado (Fijado sobre el bombo).

La aparición del Rock’n'roll asociado al desarrollo de la tecnología (discos, TV…) y el “show business” ponen a los instrumentistas en primer lugar de la sociedad. El boom de grupos como los Beatles, Roling Stone, etc. Popularizan aún más el instrumento entre las generaciones más jóvenes.

De los 70 a la actualidad:

El desarrollo musical de muchos grupos de esta época se debe a la proliferación de toms y platos en sus baterías. Los dos toms sobre el bombo se convierten en algo normal en cualquier fabricante de baterías. Los demás sistemas de sujeción y soporte se vuelven cada vez más normales y fuertes. Y es a partir de los años 80 cuando se inventan todo tipo de soportes, herrajes, pies, etc., hasta la aparición del Rack (que aguantan todo el sistema de soportes).

Los años 70 ven la aparición de fabricantes japoneses (Pearl, Tama, Yamaha,…) que poco a poco se irán comiendo a las marcas americanas y Europeas, gracias a su bajo coste y su gran rendimiento, este es el aldabonazo final para la total popularidad de este instrumento.

El mayor aporte de este periodo es la aparición de los primeros toms secuenciados, emergiendo de la nada una gran cantidad de baterías electrónicas, ritmos pregrabados, cajas de ritmos, etc. Y aunque esto no supone ningún avance técnico, si que en la cuestión física del instrumento y la sonoridad del mismo, supone un avance enorme.